2025年北京當代·藝術博覽會剛剛在中國農業展覽館落下帷幕，來自全球12個國家、32個城市的132家參展機構，將這2萬平方米的展場填滿了多樣的作品，為北京開啟了一段藝術時光。

博覽會的主題“凹凸”并非一個容易落地的詞。它本身帶著模糊性和空間感，不是喧嘩的，也不是肅穆的，它是個體經驗在現實世界中撞出來的起伏，是城市輪廓中高低錯落的天線，是創作里那些不肯被打磨平整的毛邊。

藝術不是平的，它本來也不該平。每一次創作，都像是在摸索一塊未知地形，隨時可能凹進去，又可能驟然凸起。

凹凸中看見的是某種趨平

藝術總是和“探索”綁在一起的，聽起來像是永遠在走一條未知的路。但真的一圈圈逛下來，會發現其實很多東西越來越像了：顏色的搭配，線條的構成，敘事方式，乃至展簽上的文字介紹……大家似乎都在一個通用模板里尋找個性。

今年北京當代藝術博覽會提出“凹凸”作為主題，但實際看下來，裝置與雕塑并不多見，真正能與“凹凸”概念產生有效對話的作品也不算多。更別提有些作品本身的情緒濃度就偏低——在表象上是完整的，但少了思考和碰撞。架上繪畫依然是主流，但不是所有作品都有“凹”與“凸”的情緒張力。有的作品平整到像玻璃，潤澤得滑手，看上去成熟，卻也讓人遺憾地覺得：似乎沒有什么可以進一步展開的可能。

從市場角度看，也能理解為什么繪畫成為主流。畫布便于收藏、運輸、交易、展示，天然就更容易進入流通系統。但如果僅僅為了市場而趨平趨穩，藝術的“探索性”也很容易變成“表演性的探索”，看起來是新的，其實只是換了個顏色而已。

在當下的藝術生態里，真正能被畫廊簽下的，往往是那些已經形成視覺語言一致性的創作者,風格清晰、敘事統一、作品有“品牌感”。這并非壞事，是藝術家職業化路徑中的一個自然階段。但問題在于：有些創作者太過依賴“經驗感”的靈機一動，那種未經打磨的靈氣雖然第一眼好看，卻缺乏持續支撐的結構感，久而久之容易讓人審美疲勞。

而那些將將踏進市場的年輕藝術家，反倒在反復試錯與沉潛中保有一種基礎扎實的“底氣”。不是說才畢業的學生一定好，而是那種“玉未琢”的狀態，有時反而更有空間感——它是未完成的，是有起伏，甚至帶點兒雜質的“凹凸”。其實“凹凸”最有意思的地方，正是它拒絕光滑，承認不確定、接受起伏，也提醒我們別太快把作品打磨得圓潤、無刺。市場可能喜歡平，但藝術的魅力恰恰在那些“不平”的部分。

當代藝術最有趣的部分之一，是把解釋權交還給觀眾。你可以看到很多人在展位前站很久，不是因為看懂了，而是因為在畫面里看到了自己。他們開始自發地講述、投射，甚至爭論。這種“觀眾主動生成意義”的場面，其實也是一種“凹凸”——意義不是單向灌輸的，而是在彼此之間一點點推出來的。

明星加入，被磨平的凸起

朱珠與黃渤的參展無疑是本屆北京當代藝博會受關注的事件之一。從傳播效果來看，這是一次典型的“明星效應”成功介入藝術市場的案例：吸睛、有效、話題性十足，對于推廣藝博會本身、拓寬觀眾群體、激活社交媒體熱度都有積極作用，這毋庸置疑。

但從學術角度來看，評價就不那么輕松了。朱珠的展覽視覺呈現熱烈、艷麗、綠意盎然，但所謂的“歡樂之家”概念并沒有真正構建起來。整體更像是一種視覺化的自我申訴，情緒飽滿但缺乏結構支撐。作為藝術表達，它更接近一種對“自我形象”營銷的延伸，而非完整的策展項目。形式遠大于內容，動機和方法之間缺少明確的落點。

再看到黃渤的作品，其實很容易因為材料和形式的選擇讓人覺得在看家居制品，有設計，但沒有思考的延伸。其中一件人物雕塑相比之下生動得多，在創作的語境下，反而是不另外賦予含義更顯得真誠。

這類展覽或作品某種程度上反映出一個更值得警惕的趨勢：當“人人都是策展人”的聲音被無限放大，藝術的專業性和策展的邏輯被稀釋，策展變成了“自我身份展示”或“場景制造”。“人人都是藝術家”是一個開放的文化理想，而“明星以特殊身份參與藝術”則是另一回事。如果這種參與只是停留在身份層面的包裝，而非進入藝術語言、結構與觀念的深層建設，那它所帶來的不是多元，而是稀釋。

不可否認，從商業角度看，這是一個很成功的項目，但如果真的要在一個強調“策展性”與“結構性”的藝術博覽會中占據一席之地，建議未來策劃方在定位上更清晰：是商業項目，那就讓商業比重更大一些，把它當成吸引流量的“特別板塊”，而不要模糊在同一個語境中，讓人們陷入“無言以對”。

在藝術的“凹凸”之間，這樣的展覽可能更偏向一種“被磨平的凸起”——看起來熱鬧，其實留不下太多值得回味的痕跡。

博覽會不只停留在“市場”

藝博會的成功標準常常是銷售數據，這是事實。但若僅止于此，也難免讓人覺得單薄。一個真正完整的藝博會，應該在交易之外，建立起學術的溫度,哪怕只是一個展位導覽或一場公共教育活動，也能在商業洪流中給人一點點方向感。

這次博覽會部分展位確實做到了學術引導，而非僅僅是售賣陳列。這一點尤其珍貴。很多畫廊不再是單純堆作品，而是在空間里嘗試建立關系，用作品之間的聯動說話，而不只是標簽上那幾行字說明一切。

能看到一些展位幾乎就是一個概念的實體化，作品彼此之間有關聯、有節奏。也有的直接把展臺當成實驗場，不在乎呈現效果是不是完整，更看重在展出過程中生成的東西。這種不穩妥感，反而讓人覺得真誠，有時候比“完成度高”的展位更能留下印象。

這或許就是這屆“北京當代”想要留下的印象：不是把所有東西抹平，而是承認過程的有趣，讓那些還在生成中的、還未定型的，成為值得被觀看的一部分。

材料說話比人更誠實

盡管形式語言趨同，但材料使用上的靈活倒是令人耳目一新。貝母、毛氈、棉線，甚至金屬箔和工業殘片——這些“非主流”的媒材被一些藝術家自然地織入畫面之中，成為畫面本身不可剝離的結構語言。

藝術家們越來越傾向于用材料本身來說話。綜合材料創作不僅僅是把不同材質拼貼到一起，更像是在尋找一種物質與思想之間的隱秘契合。比如木頭在作品中常常呈現出一種自然的層次感，紋理的走向和材料本身的質感就帶著敘事性；線則是柔軟的，像是情緒的延展，可以纏繞、拉直、斷裂，也可以從一個空間延伸到另一個空間；布料是可被裁剪的，它既可以作為包裹，也可以作為切割，是一種對身體和空間同時具備親近性的材質；而像沙子這種材料，它的存在是時間性的，你撒下它，它就留下痕跡，像是一個過程的殘影，不可逆也不可復原。

在這種多元媒介的構建中，不只是視覺體驗被拓展了，觀眾與作品之間的關系也被重新建立了維度。材料在這里不再是“被使用”，而是表達的一部分。材料的多樣性，本質上是藝術家思想維度的外化。他們不滿足于一種語言解決所有問題，而是用不同材質之間的張力、沖突與融合，去表現復雜的內心世界和外部現實。材料之間的摩擦、包容，甚至誤會，成為作品不可缺少的一部分，這也是最令人驚喜的地方。

最終，我們看到的不再是一幅“畫”一個“裝置”，而是一個多層次、多時間點、多情緒狀態同時發生的“場”，它是感官的集合，也是靈感的疊加。這正是當代藝術在材料維度上的魅力——它不只是看得見，更是能被感知、被觸碰、被想象的。

小動物背后的大情緒

本屆展會上，小動物頻繁出沒。有的是布料縫合，有的是繪畫呈現，有的是雕塑的變形重構……對“萌”的異化使用是顯而易見的趨勢——它既是都市人對情感寄托的外投，也是一種迎合大眾趣味的方式。通過夸張、變形或者冷感處理，這種“萌”開始進入一種更為復雜的視覺語言中。看似可愛，其實并非一直讓人感受到所謂的安全感——有時是孤獨本身的顯影，有時是都市疲累的低語。

近幾年，不論是畢業展還是藝博會，小動物幾乎成了某種“保留角色”，它們以各種形態反復出現在畫面里，有的被擬人化，有的保持動物的原型，但不管是哪種，它們都在承擔一個功能：情緒的容器。那些孤獨、柔軟、不安、溫柔，甚至是焦慮和脆弱，都被包裹在這類看起來“很萌”的形象里。你以為是在看一只毛茸茸的小狗，實際它像極了我們自己在生活里裝出來的樣子。

這其實是一個很當代的表達方式。藝術不再執著于再現宏大的敘事，它更在乎個體視角和心靈感受。我們活在一個信息爆炸、情緒高密度的社會里，小動物形象成了介于個體與世界之間的一層柔軟緩沖。觀眾對它們的共情，恰恰是當代藝術的一種目的：建立通感，引發自我照見。

當代藝術很多時候看起來是輕巧的、日常的，但真正好的作品，哪怕形式輕盈，背后往往都有一個沉的內核。在小動物身上寫大情緒，也許正是我們這個時代最獨特的藝術方式之一——它用溫柔包裝了現實的硬度，用可愛繞開了防御機制，然后輕輕推你一把，讓你意識到：原來藝術不是在告訴你什么，而是讓你想起了什么。

好的藝術一定是打動人的

在本屆藝博會中，有兩件作品讓我久久停留，不是因為形式有多新，而是因為它們用一種幾乎不說話的方式，提出了對“感情”與“觀看”的真正關切。

一件作品模擬了爺爺給孫女寫信。打字機自動敲出一封封家信，字體是AI生成的和爺爺生前寫出的一樣的字，幾乎可以騙過人的眼睛。但每寫完一封，它就悄悄掉落在地上，堆在一起，沒有被真正“收下”，像是沒有歸宿的感情。

那不是對AI技術的炫耀，而是對人類情感中極限溫柔的部分的提醒。它寫得很像，卻永遠缺了那一毫米的真實感。它想模仿親密關系，卻終究只能模擬語言而不是關系。這作品沒有高聲喧嘩，卻讓人在心底很安靜地承認——有些東西是技術不能替代的，比如感情的余溫，比如寫給你一個人的“專屬”的信。

另一件作品《不被看見》，幾乎是這層思考的搭檔——它不是要模擬“親密”，而是主動剝奪“觀看”。作品的文字用盲文寫成，觀眾需要用手摸、用心聽。沒有語言的解釋，沒有視覺的線索，只能靠觸覺一點點“碰到”它。

工作人員邀請我試著在蒙眼的狀態下寫了幾個字，寫完之后摘下布巾，我能看到自己寫了什么，真正的盲人卻不能。這不是一個“參與感強”的互動，而是一種溫和但清晰的提醒：你只是短暫體驗，別以為你理解了什么。

這個公益空間拒絕清晰意義，也拒絕快速觀看。它不像許多藝博會上的作品那樣急于被拍照、被轉發，而是邀請你進入一種緩慢、迷茫，甚至有點陌生的狀態。你不知道它是什么，但你知道你被碰觸到了。

這兩件作品其實很不同，一個談模擬與失真，一個談缺失與感知。但它們都讓人重新理解“看見”和“被看見”之間的復雜關系。在這個一切都渴望曝光的時代，它們反而用安靜的方式說：哪怕沒人看，哪怕不被理解，情感依然成立，藝術依然存在。

這也是“凹凸”這個主題下最動人的部分。不是展覽本身有多熱鬧，而是它在其中留出了那些安靜的、不追求被解釋的縫隙，讓真正的觸動在縫隙里發生。

北京當代藝術博覽會，不是一場大事件，只是一組緩慢鋪展的片段敘事。有人在這里找到了喜歡的作品，有人看見了自己的影子，也有人只是走馬觀花。但無論如何，在“凹凸”之間，我們都感受到了當代藝術那種不肯被撫平的張力。

“凹凸”不是空泛的視覺意象，它更像是對現實與表達之間關系的提示。在形式趨同、語境混雜的當下，它承認差異、保留裂縫，讓藝術不再只是光滑的展示，而成為一種皺褶、一種摩擦。那些在表面之外保有粗糲、節奏不一、情緒未平的作品，正是本屆藝博會最有價值的部分。

藝術不是要把我們拉出生活，而是讓我們在生活中看到它。